Segredos de Cordas
Por CRISTINA FERNANDES
Sábado, 29 de Setembro de 2001
Dedilhados ou friccionados, os instrumentos de corda foram protagonistas de todas as vanguardas musicais. Este é o tema das XXII Jornadas Gulbenkian de Música Antiga. Oportunidade para ouvir alguns virtuosos destes instrumentos num extenso mosaico de timbres, géneros e estilos.
As cordas são uma presença quase constante nos vários domínios da prática musical. Desde os finais do renascimento - que coincide com a emancipação da música instrumental - adquiriram também um papel crucial no desenvolvimento da linguagem e das principais estéticas da arte dos sons. A edição deste ano das Jornadas Gulbenkian de Música Antiga propõe a ambiciosa tarefa de delinear o papel dos instrumentos de corda dedilhada e de arco na música erudita europeia entre o Renascimento e os alvores do Romantismo. Os repertórios italiano, alemão, francês, inglês, espanhol e português, visitados alternadamente por alguns dos mais destacados intérpretes mundiais, serão as peças de um "puzzle" tão gigantesco como fascinante onde as famílias da viola da gamba e do violino (a solo ou em conjuntos de geometria variável) se cruzam com as cordas beliscadas do alaúde, da vihuela, das guitarras renascentista e barroca ou de instrumentos de tecla como o cravo. Para abrir o apetite e alargar horizontes, a habitual conferência de abertura de Rui Vieira Nery (dia 1, às 18h30, no Auditório 2 da Gulbenkian) versará o tema "A música para cordas como território de todas as vanguardas".
Cordas, friccionadas
Os dois extremos do período temporal abarcado pelo tema das jornadas encontram-se respectivamente marcados pela afirmação das famílias da viola da gamba e do violino. A viola da gamba gozou de um estatuto muito diversificado nos vários centros europeus. Assim, enquanto a Inglaterra possuía uma tradição de valor excepcional que remontava aos finais do Renascimento, os alemães interessavam-se por ela sobretudo como instrumento de conjunto, enquanto em Itália se preferia o violino. Em contrapartida, os franceses viam-na como um instrumento nobre e expressivo, dando origem a uma escola de pujante vitalidade da qual Marin Marais e Antoine Forqueray - "L'Ange e Le Diable", como lhes chamou Hubert le Blanc - foram os mais brilhantes representantes.
A competição aberta com a família do violino em meados do século XVIII chegou mesmo a ser objecto de várias polémicas das quais o testemunho mais célebre é a "Defense de la basse de viole contre les entreprises du violon et les prétentions du violoncel" (1740), do já citado Le Blanc, que contrapunha a nobreza estética e sonora da viola da gamba à "natureza vulgar" do violino e do violoncelo.
Ao invés, o barroco italiano coincidiu com a idade de ouro do violino, aperfeiçoado por construtores lendários como Amati, Guarneri e Stradivarius e tocado por virtuosos da craveira de Corelli, Torelli, Locatelli, Tartini ou Vivaldi. Estes últimos dedicaram-lhe também composições de brilho exuberante e técnica diabólica.
Um dos grandes atractivos destas jornadas consiste precisamente na participação de alguns dos mais consumados mestres do nosso tempo nestes instrumentos: Jordi Savall na viola da gamba - destaca-se o concerto "La Viole du Roi Soleil", no dia 2, na Academia das Ciências, em conjunto com o fantástico alaúdista e guitarrista Rolf Lislevand e o cravista Michel Behringer -, Andrew Manze ou Chiara Banchini no violino barroco, Anner Bylsma e Christophe Coin no violoncelo barroco...
Cordas, na música de câmara
Nos finais do século XVI e durante o século XVII, a música de câmara foi, em parte, protagonizada pelos "consorts" de violas da gamba, sobretudo na Inglaterra isabelina. A partir de meados do século XVIII, na sequência da progressiva afirmação do violino, esta passaria a estruturar-se a partir do quarteto de cordas e seus derivados (trios, quintetos, sextetos). O "consort" seiscentista Hesperion XXI, um dos grupos de Jordi Savall, representa esse primeiro momento, com o programa "As Lágrimas das Musas", enquanto o prestigiado Ensemble Baroque de Limoges de Christophe Coin (no dia 8, nos Jerónimos) testemunha o segundo, com Sextetos e Divertimentos de Boccherini e transcrições da Sinfonia Concertante e da Sinfonia "Haffner", de Mozart. O lendário L'Archibudelli de Bylsma revela-nos, por seu turno, algumas das jóias da música de câmara do classicismo e do primeiro romantismo (o Trio nº 1, de Haydn; o Divertimento KV 563, de Mozart; os Trios op. 9, de Beethoven; e o Trio nº 2, de Schubert) através das macias sonoridades das cordas de tripa dos seus instrumentos (dias 6 e 7, no Palácio da Ajuda e nos Jerónimos).
Cordas, na orquestra
Foi durante o barroco que surgiram as primeiras orquestras no sentido moderno do termo, ou seja, os primeiros agrupamentos de grandes dimensões em que a distribuição instrumental é anterior à composição das obras e as condiciona. Nascida para garantir a música dos "Ballets de Cour", a orquestra "Les 24 Violons du Roi " (também conhecida como "La Grande Bande" ) da corte de Luís XIV, foi pioneira nesta aventura, transformou-se, sob a orientação de Lully, num conjunto de magnitude e excelência únicas na Europa e no modelo de outras cortes absolutistas. As principais "nações musicais" (Itália, França e Alemanha) desenvolveram simultaneamente géneros (concertos, suites, sinfonias, aberturas...) e estilos próprios em conformidade com o potencial destas formações. Os principais terão um lugar de destaque nestas jornadas. "Le Concert des Nations", de Jordi Savall, traz-nos a graciosidade e os ritmos dançantes das suites extraídas de obras dramáticas de Lully, Marais e Rameau, mas também as tendências pictóricas da música francesa (no dia 1, na Gulbenkian). A Academy of Ancient Music, de Andrew Manze - que retoma o nome da formação londrina do tempo de Haendel - dedica um programa à música alemã (Händel, Telemann, Scheidt, Pisendel, Carl Ph. E. Bach, J. S. Bach) e outro à música italiana (Locatelli, Vivaldi, Corelli) - nos dias 11 e 12, na Sociedade de Geografia -, enquanto a Akademie für Alte Musik Berlin nos revela algumas das tendências da transição para o classicismo (Graun, Reichardt, Wilhelm F. Bach, Nichelmann) nos dias 13 e 14 (Academia das Ciências e Gulbenkian). O repertório português do século XVIII de acentuada influência italiana, também não foi esquecido. A Capela Real, dirigida pelo violinista Stephen Bull, interpretará o conjunto da produção orquestral conhecida de Carlos Seixas - com José Luís González Uriol como solista no concerto para cravo - em conjunto com peças de Francisco António de Almeida, Pedro António Avondano, Jerónimo Francisco de Lima e José Palomino (no dia 9, no São Carlos).
Cordas, dedilhadas
O alaúde foi um dos instrumentos mais apreciados para acompanhar a voz e um dos mais utilizados na realização do baixo contínuo, mas seria inevitavelmente a sua dimensão solística a inspirar as obras de maior esplendor. Virtuosos como Dennis e Ennemond Gaultier na França seiscentista ou Sylvius Leopold Weiss na Alemanha do século XVIII conduziram a escrita para este instrumento a um elevado grau de refinamento e sofisticação, como se poderá constatar no recital de Edin Karamazov, o mesmo intérprete que acompanhou Scholl na última temporada Gulbenkian (no dia 5, no Palácio Fronteira). Na Península Ibérica preferia-se a vihuela e a guitarra, onde floresceu uma importante escola de composição e interpretação, ilustrada pelo recital de Toyohiko Satoh e Manuel Morais com obras dos séculos XVI a XVIII (no dia 10, no Palácio da Ajuda).
Cordas, vocais
Face à especificidade do tema, a música vocal terá uma representação reduzida. No entanto, é caso para dizer: "poucos, mas bons". A soprano argentina Maria Cristina Kiehr - uma das vozes mais belas e emblemáticas da música antiga, habitual colaboradora de René Jacobs, Savall, Herreweghe, Leonhardt, Garrido e de tantos outros nomes gigantescos - e o contratenor Andreas Scholl, verdadeira "super-estrela" do canto barroco, protagonizam dois concertos imperdíveis. O primeiro (dia 4, na Academia das Ciências), com o Ensemble 415, é dedicado à família Bononcini, com sinfonias, sonatas e cantatas de Giovanni Maria, Antonio Maria e Givanni Battista Bononcini. O segundo (no dia 14, na Gulbenkian) oferece-nos algum do repertório habitual de Scholl - árias de Mozart, J. S. Bach e Gluck - em conjunto com a música orquestral dos filhos de Bach (Johann Christian e Wilhelm Friedemann) interpretada pela Akademie für Alte Musik, para muitos a melhor orquestra barroca actual. Ouro sobre azul num encerramento que se adivinha inesquecível.
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Segredos de Cordas
Por CRISTINA FERNANDES
Sábado, 29 de Setembro de 2001
Dedilhados ou friccionados, os instrumentos de corda foram protagonistas de todas as vanguardas musicais. Este é o tema das XXII Jornadas Gulbenkian de Música Antiga. Oportunidade para ouvir alguns virtuosos destes instrumentos num extenso mosaico de timbres, géneros e estilos.
As cordas são uma presença quase constante nos vários domínios da prática musical. Desde os finais do renascimento - que coincide com a emancipação da música instrumental - adquiriram também um papel crucial no desenvolvimento da linguagem e das principais estéticas da arte dos sons. A edição deste ano das Jornadas Gulbenkian de Música Antiga propõe a ambiciosa tarefa de delinear o papel dos instrumentos de corda dedilhada e de arco na música erudita europeia entre o Renascimento e os alvores do Romantismo. Os repertórios italiano, alemão, francês, inglês, espanhol e português, visitados alternadamente por alguns dos mais destacados intérpretes mundiais, serão as peças de um "puzzle" tão gigantesco como fascinante onde as famílias da viola da gamba e do violino (a solo ou em conjuntos de geometria variável) se cruzam com as cordas beliscadas do alaúde, da vihuela, das guitarras renascentista e barroca ou de instrumentos de tecla como o cravo. Para abrir o apetite e alargar horizontes, a habitual conferência de abertura de Rui Vieira Nery (dia 1, às 18h30, no Auditório 2 da Gulbenkian) versará o tema "A música para cordas como território de todas as vanguardas".
Cordas, friccionadas
Os dois extremos do período temporal abarcado pelo tema das jornadas encontram-se respectivamente marcados pela afirmação das famílias da viola da gamba e do violino. A viola da gamba gozou de um estatuto muito diversificado nos vários centros europeus. Assim, enquanto a Inglaterra possuía uma tradição de valor excepcional que remontava aos finais do Renascimento, os alemães interessavam-se por ela sobretudo como instrumento de conjunto, enquanto em Itália se preferia o violino. Em contrapartida, os franceses viam-na como um instrumento nobre e expressivo, dando origem a uma escola de pujante vitalidade da qual Marin Marais e Antoine Forqueray - "L'Ange e Le Diable", como lhes chamou Hubert le Blanc - foram os mais brilhantes representantes.
A competição aberta com a família do violino em meados do século XVIII chegou mesmo a ser objecto de várias polémicas das quais o testemunho mais célebre é a "Defense de la basse de viole contre les entreprises du violon et les prétentions du violoncel" (1740), do já citado Le Blanc, que contrapunha a nobreza estética e sonora da viola da gamba à "natureza vulgar" do violino e do violoncelo.
Ao invés, o barroco italiano coincidiu com a idade de ouro do violino, aperfeiçoado por construtores lendários como Amati, Guarneri e Stradivarius e tocado por virtuosos da craveira de Corelli, Torelli, Locatelli, Tartini ou Vivaldi. Estes últimos dedicaram-lhe também composições de brilho exuberante e técnica diabólica.
Um dos grandes atractivos destas jornadas consiste precisamente na participação de alguns dos mais consumados mestres do nosso tempo nestes instrumentos: Jordi Savall na viola da gamba - destaca-se o concerto "La Viole du Roi Soleil", no dia 2, na Academia das Ciências, em conjunto com o fantástico alaúdista e guitarrista Rolf Lislevand e o cravista Michel Behringer -, Andrew Manze ou Chiara Banchini no violino barroco, Anner Bylsma e Christophe Coin no violoncelo barroco...
Cordas, na música de câmara
Nos finais do século XVI e durante o século XVII, a música de câmara foi, em parte, protagonizada pelos "consorts" de violas da gamba, sobretudo na Inglaterra isabelina. A partir de meados do século XVIII, na sequência da progressiva afirmação do violino, esta passaria a estruturar-se a partir do quarteto de cordas e seus derivados (trios, quintetos, sextetos). O "consort" seiscentista Hesperion XXI, um dos grupos de Jordi Savall, representa esse primeiro momento, com o programa "As Lágrimas das Musas", enquanto o prestigiado Ensemble Baroque de Limoges de Christophe Coin (no dia 8, nos Jerónimos) testemunha o segundo, com Sextetos e Divertimentos de Boccherini e transcrições da Sinfonia Concertante e da Sinfonia "Haffner", de Mozart. O lendário L'Archibudelli de Bylsma revela-nos, por seu turno, algumas das jóias da música de câmara do classicismo e do primeiro romantismo (o Trio nº 1, de Haydn; o Divertimento KV 563, de Mozart; os Trios op. 9, de Beethoven; e o Trio nº 2, de Schubert) através das macias sonoridades das cordas de tripa dos seus instrumentos (dias 6 e 7, no Palácio da Ajuda e nos Jerónimos).
Cordas, na orquestra
Foi durante o barroco que surgiram as primeiras orquestras no sentido moderno do termo, ou seja, os primeiros agrupamentos de grandes dimensões em que a distribuição instrumental é anterior à composição das obras e as condiciona. Nascida para garantir a música dos "Ballets de Cour", a orquestra "Les 24 Violons du Roi " (também conhecida como "La Grande Bande" ) da corte de Luís XIV, foi pioneira nesta aventura, transformou-se, sob a orientação de Lully, num conjunto de magnitude e excelência únicas na Europa e no modelo de outras cortes absolutistas. As principais "nações musicais" (Itália, França e Alemanha) desenvolveram simultaneamente géneros (concertos, suites, sinfonias, aberturas...) e estilos próprios em conformidade com o potencial destas formações. Os principais terão um lugar de destaque nestas jornadas. "Le Concert des Nations", de Jordi Savall, traz-nos a graciosidade e os ritmos dançantes das suites extraídas de obras dramáticas de Lully, Marais e Rameau, mas também as tendências pictóricas da música francesa (no dia 1, na Gulbenkian). A Academy of Ancient Music, de Andrew Manze - que retoma o nome da formação londrina do tempo de Haendel - dedica um programa à música alemã (Händel, Telemann, Scheidt, Pisendel, Carl Ph. E. Bach, J. S. Bach) e outro à música italiana (Locatelli, Vivaldi, Corelli) - nos dias 11 e 12, na Sociedade de Geografia -, enquanto a Akademie für Alte Musik Berlin nos revela algumas das tendências da transição para o classicismo (Graun, Reichardt, Wilhelm F. Bach, Nichelmann) nos dias 13 e 14 (Academia das Ciências e Gulbenkian). O repertório português do século XVIII de acentuada influência italiana, também não foi esquecido. A Capela Real, dirigida pelo violinista Stephen Bull, interpretará o conjunto da produção orquestral conhecida de Carlos Seixas - com José Luís González Uriol como solista no concerto para cravo - em conjunto com peças de Francisco António de Almeida, Pedro António Avondano, Jerónimo Francisco de Lima e José Palomino (no dia 9, no São Carlos).
Cordas, dedilhadas
O alaúde foi um dos instrumentos mais apreciados para acompanhar a voz e um dos mais utilizados na realização do baixo contínuo, mas seria inevitavelmente a sua dimensão solística a inspirar as obras de maior esplendor. Virtuosos como Dennis e Ennemond Gaultier na França seiscentista ou Sylvius Leopold Weiss na Alemanha do século XVIII conduziram a escrita para este instrumento a um elevado grau de refinamento e sofisticação, como se poderá constatar no recital de Edin Karamazov, o mesmo intérprete que acompanhou Scholl na última temporada Gulbenkian (no dia 5, no Palácio Fronteira). Na Península Ibérica preferia-se a vihuela e a guitarra, onde floresceu uma importante escola de composição e interpretação, ilustrada pelo recital de Toyohiko Satoh e Manuel Morais com obras dos séculos XVI a XVIII (no dia 10, no Palácio da Ajuda).
Cordas, vocais
Face à especificidade do tema, a música vocal terá uma representação reduzida. No entanto, é caso para dizer: "poucos, mas bons". A soprano argentina Maria Cristina Kiehr - uma das vozes mais belas e emblemáticas da música antiga, habitual colaboradora de René Jacobs, Savall, Herreweghe, Leonhardt, Garrido e de tantos outros nomes gigantescos - e o contratenor Andreas Scholl, verdadeira "super-estrela" do canto barroco, protagonizam dois concertos imperdíveis. O primeiro (dia 4, na Academia das Ciências), com o Ensemble 415, é dedicado à família Bononcini, com sinfonias, sonatas e cantatas de Giovanni Maria, Antonio Maria e Givanni Battista Bononcini. O segundo (no dia 14, na Gulbenkian) oferece-nos algum do repertório habitual de Scholl - árias de Mozart, J. S. Bach e Gluck - em conjunto com a música orquestral dos filhos de Bach (Johann Christian e Wilhelm Friedemann) interpretada pela Akademie für Alte Musik, para muitos a melhor orquestra barroca actual. Ouro sobre azul num encerramento que se adivinha inesquecível.